Anissa Lee



Som publikumsmedlem er det let at overse, hvor meget arbejde der blev brugt til forestillingen på scenen - en dansers job er trods alt at få det til at se ubesværet ud. Men enhver professionel har tacklet en rolle, der fik dem til at tvivle på sig selv, hvad enten det var ved at teste deres udholdenhed, skubbe dem ud af deres komfortzoner eller berøre deres sårbarheder og usikkerhed. Her deler seks dansere nogle af deres hårdeste roller, hvordan de klarede det, og hvad de lærte.




Hickman og Sieve udfører 'Det tager meget at kende en mand' (Adam Rose, høflighed FOX)

Darius Hickman

Danser, 'Så du tror du kan danse' sæson 15

'Det tager meget at kende en mand' var min sidste duet på 'SYT.' Koreograferet af Travis Wall var det meget fysisk krævende, og jeg måtte være meget følelsesmæssigt sårbar. Det var svært for mig at gøre på tv. Jeg følte, at det var et stort ansvar. Jeg vidste, at jeg havde brug for at være ærlig over for mig selv og lade mine følelser være naturlige for, at det stykke kunne fungere. Jeg tror, ​​det var det, der gjorde det så specielt, fordi det føltes rigtigt. Det var svært at vokse op med at være homoseksuel og sort. Mine tøj var aldrig afslappet. Jeg havde altid glimmer, glitter og hvad jeg havde lyst til. Men jeg ville få tilbageslag, og det gjorde ondt. I stykket ville Travis have mig til at omfavne mit feminine selv og mit maskuline selv og vise begge sider af mig. I prøver var det, der virkelig hjalp, at huske, hvor vigtigt showet var for mig. Jeg danser for at vise folk, at alt er muligt. Når du er i en konkurrenceindstilling, er det meget svært at ikke bekymre dig om, hvad andre mennesker tænker, men i slutningen af ​​dagen er det ikke for dem. Det er til dig.





Cassandre Joseph i 'Human Fountain' (Antoine Douaihy, høflighed STREB Extreme Action)

Cassandra Joseph

Danser og tilknyttet kunstnerisk leder, STREB Extreme Action

Der hedder et stykke Human Fountain . Det er et stillads, der har tre niveauer, og det er formet efter Bellagio Fountains i Las Vegas, NV. Ideen er, at vi i det væsentlige ville erstatte vandet og skabe former, løbe og kaste os ud af platformene i mange forskellige retninger. Jeg var gymnast, der voksede op, så min træning blev opdelt i fremskridtssystemer - læring og mestring af en gruppe færdigheder og derefter videre til det næste niveau. Sådan lærte jeg at bevæge mig. Human Fountain blev meget udfordrende, fordi det er sværere at skabe fremskridt, når du kun har tre platforme. Koreografien kræver ikke kun meget engagement og tillid til dig selv, men også hurtighed, smidighed og styrke. De fleste STREB-stykker inspirerer en slags frygt, men det var anderledes. Jeg måtte slags lære mig selv at kende igen. Før øvelse tog jeg fem til ti minutter at sætte mig ned og gå over mine styrker. Jeg ville notere forskellige ideer og komme med fremskridt i min egen ret. Jeg kom aldrig rigtig over frygt, men jeg har bevæbnet mig med nok metoder til at forhindre, at frygt stopper mig. Du stiger ikke bare til lejligheden - du synker til niveauet for din træning. Du skal huske, at det ikke er en øjeblikkelig stigning: Du er bevæbnet med alt hvad du behøver for at gøre denne færdighed, fordi du er blevet uddannet.



(Venstre til højre) Anabel Katsnelson, Tyler Maloney, Erica Lall og Arron Scott i 'In the Upper Room' (Marty Sohl, høflighed American Ballet Theatre)

Arron Scott

Danser, American Ballet Theatre

I løbet af ABTs forårssæson måtte jeg træde ind i enhver forestilling af Twyla Tharps I det øvre rum . Balletens musik er pulserende, og den fysiske anstrengelse er så klar som dagen for publikum, så det er virkelig spændende at danse. Dette var min første gang at gøre det på Metropolitan Opera House-scenen, hvilket var en ekstra udfordring, fordi det bare er så massivt. Der er et par udgange, hvor du bogstaveligt talt kun har fire sekunder til at løbe tre vinger op og gå ind igen. Det handler om pacing, og jo mere du spiller en rolle, jo mere kan du finde tider med ro at trække vejret og derefter genindlæse til det næste store skub. Uanset hvordan du prøver at brænde, kommer du til et punkt, og du er nødt til at grave virkelig dybt og indse, at du ikke kommer til at føle sådan her for evigt, du vil have det godt. Musik hjælper også. Jeg er en meget musikalsk danser - det driver mig og giver mig energi. Det er en transcendent oplevelse at udføre denne ballet, og der er ikke noget, der ligner følelsen som en rollebesætning af at være i stand til at komme igennem den. Alle er helt udmattede, men at se dine meddansere skubbe på scenen til deres maksimale på en eller anden måde genoplive dig, genantænder den ildbit, som du ikke vidste, du havde.

Solomon Dumas i Alvin Aileys 'Revelations' på Fire Island Dance Festival i 2019 (Scott Shaw, takket være Alvin Ailey American Dance Theatre)



Solomon Dumas

Danser, Alvin Ailey American Dance Theatre

Der er en solo af Robert Battle kaldet Inde , og det fremføres til musikken fra 'Wild Is the Wind' af Nina Simone. Det er et af de mest udfordrende stykker, jeg nogensinde har lavet, fordi du er alene. I meget arbejde kan du stole på den energi, der deles på scenen mellem dine rollebesætninger, men med dette er det bare dig i seks minutter. Når jeg udfører det, handler det om mine inderste sårbare tanker. Kostumet er bare et dansebælte, og stykket er ekstremt fysisk udfordrende. Du kaster dig rundt på scenen, du drejer, du hopper. Der har været tidspunkter, hvor jeg er gået tabt på scenen, fordi belysningen er så mørk. Jeg er nødt til at oprette en historie bare så publikum forstår karakterens rejse inden for solo. Jeg har været nødt til at gå på scenen, når ingen andre er i teatret, og selv finde tid og plads til at gå dybt inde, for for mig er det ikke noget, der bare sker. Vi tænker ikke ofte på det følelsesmæssige engagement og det faktum, at du skal være i stand til at projicere det. Det skal nå bagsiden af ​​huset. Det er en ting, der hjalp min dans - du kender måske trinene, afstanden, musikaliteten - men du skal være i stand til at tilføje det skuespilaspekt.

Hilsen Thryn Saxon

Thryn Saxon

Danser, Sov ikke mere

For den hovedrolle, jeg spiller, måtte jeg barbere mit hoved. Det var en enorm overgang for mig æstetisk set og også følelsesmæssigt med hensyn til hvad det betød at give mig selv over og forpligte mig til min kunst. Karakteren jeg spiller er utrolig fysisk og kraftfuld. Temaet for showet er også ret intenst og beder meget om dig. Du skal fordybe dig i disse tunge scener, men heller ikke lade dem overvinde dig. Min karakter har intet hår, og at leve med den komponent i min egen daglige liv var udfordrende i starten - jeg følte, at jeg var hende overalt, hvor jeg gik hen. Jeg har aldrig oplevet en så tæt sammenhæng mellem mit præstationsliv og min hverdag. Så begyndte jeg at dissekere, hvilke komponenter af denne karakter jeg allerede havde i mig, og nu kan jeg definitivt sige, at hendes valg og dele af hendes verden har fået mig til at have mere overbevisning om mine valg som kvinde, mere en følelse af min sensualitet og styrken bag det. Ofte ser vi billeder af en kvinde med langt, luksuriøst hår. Jeg var ikke klar over, hvor meget jeg var blevet påvirket af disse billeder, før jeg ikke havde noget hår. Det har været en fantastisk oplevelse og får mig til at tænke på andre ting i mit liv, som jeg endnu ikke har prøvet. Det åbnede en helt ny verden for mig.

Anissa Lee, yderst til venstre, med sine kolleger Syncopated Ladies (høflighed Chloe & Maud Productions)

Danser, synkopierede damer

Stig op er en af ​​vores mest kraftfulde stykker. Vi er altid så positive, og vi løfter, og normalt betyder det at bringe glæde eller en slags sexet flair. Men med Stig op i det særlige politiske klima, vi lever i lige nu, og med alle de ting, der foregår i verden, er det lidt udløsende. Det minder os om den taknemmelighed, vi har for at være omgivet af ting, vi elsker, og når hadet kommer ind i vores cirkel, lærer det os, hvordan vi kan løfte os over det. Det er en sjov dans, men det er bestemt en af ​​de mere følelsesladede og lægger lidt tungere på hjertet. Især da vi først begyndte at lave disse videoer og blive lidt mere virale, ville vi se tilbageslag på sociale medier. Vi forventer næsten det. Chloe Arnold taler altid med os om, hvordan vi kan modtage det på den bedst mulige måde, så det ikke dræber din sjæl eller slukker ilden i dit hjerte. Folk, der danser og sætter deres arbejde online, er så sårbare, at de åbent fortæller folk, hvem de er, og hvad de vil udtrykke. Det er også en underlig, bittersød situation, fordi du er ligesom: 'Jeg vil ikke have, at disse skøre ting skal ske i verden, men det brænder også på, hvorfor jeg gør, hvad jeg gør.' Det er en delikat balance.