I traditionelle produktioner af Den sovende skønhed , når den onde Carabosse styrter af festen, der fejrer prinsesse Auroras fødsel, danser hun ikke. Alligevel formår hun at 'sige' noget ret kompliceret: 'Din datter vil vokse op til at være smuk, men vil derefter stikke fingeren på en spindel - og dø!'
Hvordan siger Carabosse alt dette uden at danse eller tale? Hendes forbandelse formidles gennem en klassisk pantomime-sekvens. Først peger hun på Aurora, Carabosse placerer derefter hånden parallelt med gulvet - lavt, så lidt højere, så højere stadig (“Hun vil vokse op”) cirkler hendes ansigt med hånden (“Hun vil være smuk”) kaster hende op hånden, med håndfladen vendt udad ('Men vent!') peger igen på Aurora, tager en spindel og stikker fingeren med den ('Hun vil stikke fingeren på en spindel ...') og til sidst stikker armene foran sig , krydset ved håndledene (“… og dø!”).
'Hjertet i hele balletens fortælling er Carabosses samtale om forbandelsen,' siger Christopher Stowell, kunstnerisk leder af Oregon Ballet Theatre, hvis iscenesættelse af Den sovende skønhed har premiere i oktober på OBT. ”Tchaikovsky [ballettens komponist] uddybede det musikalske tema og efterlod ingen tvivl om vigtigheden af denne scene. Det kræver mime at kommunikere historien fuldt ud, og bevægelserne skal være klare. ” Faktisk er mime afgørende for de fleste klassiske historieballetter.
Men hvor kom alle bevægelser fra? Balletisk mime udviklede sig fra pantomime af commedia dell'arte, en form for maskeret teater, der blev populær i midten af det 16. århundrede. I ballettens tidlige dage adopterede koreografer mime fra commedia-skuespillerne - som, da de bar masker, ikke kunne tale - for at udtrykke de ting, som danserne, som også var ikke-talende kunstnere, ikke kunne sige. Til sidst blev disse bevægelser mere detaljerede og skræddersyet til ballet og udviklede sig til det specialiserede ordforråd, som vi stadig ser i dag i historieballetter som Den sovende skønhed , Sylphide , Coppélia og Giselle .
Men i begyndelsen af det 20. århundrede bevægede ballet sig væk fra efterlignet historiefortælling. I 1914 foreslog koreograf Mikhail Fokine, at 'konventionelle pantomime-bevægelser skulle elimineres og erstattes af betydelige bevægelser i hele kroppen.' Ligesom trinene til fødderne havde fået lov til at udvikle sig, argumenterede han, så skulle pantomim også.
Og pantomime har udviklet sig. I dag bruger koreografer sjældent traditionelle bevægelser i deres nye værker - især da betydningen af disse bevægelser, der engang var almindeligt kendt, er blevet mere og mere uklar. (Ved det gennemsnitlige publikumsmedlem i det 21. århundrede, at hvirvlende en hånd rundt om ansigtet betyder 'smuk'? Sandsynligvis ikke!) Koreograf Val Caniparoli har lavet moderne versioner af adskillige klassiske historieballetter, herunder Askepot . ”Det er vigtigt for mig at udarbejde måder til at strømline mime for at undgå at forvirre pointen eller overudarbejde,” siger han. Selvom han lejlighedsvis bruger traditionel mime, er der normalt ikke behov for detaljerede bevægelser. Et blik, et hovedskift eller en udstrakt arm kan tale volumener. ”
Men selvom mange balletter i dag er abstrakte, er mime fortsat en vigtig del af en balletdansers uddannelse. Det er ikke kun sandsynligt, at hun på et eller andet tidspunkt udfører en gammel pantomime-drevet klassiker, men at lære om mime er også givende, fordi det hjælper dansere med at skabe rigere karakterer i alt, hvad de danser. I sit arbejde med balletfirmaer over hele verden har Caniparoli bemærket, at ”dansere i dag ønsker mere end bare en konstant diæt af abstraktioner og endeløse bedrifter af atletisk og udholdenhed uden nogen sjæl. Karakterstudie og mime-træning bør være en del af en dansers uddannelse - det gør dem til bedre skuespillere og derfor mere velafrundede kunstnere. '
I dag undervises pantomime normalt til balletdansere under repetitionsprocessen af lærere, trænere eller karakterdanseksperter som San Francisco Balletmester Anita Paciotti. Når Paciotti går i et studie med unge dansere eller studerende, understreger hun, at hver mimet gestus, som i skuespil, skal motiveres af følelser. ”Mime tager samarbejde mellem de spillere, man skal se på hinanden og være tålmodig,” tilføjer hun. Bevægelserne i sig selv er enkle at lære, hvad der tager tid og er 'svært at komme i studiet', det sceneskib, der er nødvendigt for at formidle mime-budskabet på tværs af teaterets fodlygter. Nøglen er at finde en balance: bevægelserne skal være ekspansive nok til at læse i den bageste række, men bør ikke se for tegneserieagtige tættere på.
En anden grund til at studere klassisk balletisk mime? Det kan komme tilbage. ”I denne kunstform, som i de fleste, sker alt i bølger og cyklusser,” siger Stowell. ”Koreografer har reduceret mime i et stykke tid nu, så det skyldes tilbage. Vi kan muligvis snart se en genopblussen af mime som en kunstnerisk tendens. ”
Grundlæggende mime
Prøv disse enkle pantomime-bevægelser!
Helt vildt: Cirkel fingeren omkring dit øre.
Ægteskab: Peg på din venstre ringfinger.
Dans: Løft dine arme over hovedet og cirkuler dine hænder.
Kærlighed: Kryds hænderne over dit hjerte.
Peter Brandenhoff, en tidligere solist med San Francisco Ballet, underviser og skriver i San Francisco.