Da Lorena Feijóo tog scenen i Jerome Robbins ' Om natten i New Yorks centrum i oktober sidste år var det som om en usynlig ledning forbandt hendes krop til hvert instrument i orkestret. Uanset om man studerer klaveret som en ung danser på Cuba eller fra hendes iboende evne til at legemliggøre lyde, viser San Francisco Ballet-rektor den immaterielle kvalitet, der gør dansen til en fornøjelse at se: musikalitet.
Så hvad er musikalitet? Sådan udtrykker en danser musik i sin krop. ”Musikalitet er at forstå musik på et teknisk niveau og derefter slippe al denne viden, så du kan sidde dybt inde i musikken,” siger koreograf og “Så du tror du kan danse”, regelmæssig Wade Robson. ”Det danser inde i musikken i modsætning til at flyde oven på den.”
En veludviklet sans for musikalitet adskiller profferne fra amatører. Det gør dig også behagelig at se på - og det er en mere givende måde at danse på! Her er nogle måder at finpudse dit øre på og træffe dine egne inspirerede musik- og bevægelsesvalg.
Mestring af musikalitet
Sæt en musikalsk danser og en ikke-musikalsk danser ved siden af hinanden, så ser du, hvorfor det er så vigtigt at være tilpasset til en rytmes, melodi og stemning. Dansere uden en stærk forbindelse til musikken kan virke stive eller afbrudte - ofte er de svære at se på. ”De er ude af stand til at overføre den følelse musiknoter giver, 'siger Feijóo. ”En stærk, men ikke-musikalsk danser er som et maleri uden farver. Jeg vil hellere se en musikalsk danser med mindre udvidelse og ikke-lige-smukke fødder. '
Musikale dansere ser derimod aldrig bort fra musikken for at passe ind i flere tricks. ”Du kan se indsatsen hos en ikke-musikalsk danser - de er ofte trindrevne,” siger NYC-balletlærer Deborah Wingert. ”Musikalske dansere vender ikke bare, før de stopper. De vender sig, indtil de skal gå videre til det næste punkt i musikken. Musikale dansere bliver aldrig så fanget i trin, at de ignorerer musikken. '
Det er vigtigt at forstå, at musikalitet findes i mange former, og at der ikke er nogen rigtig eller forkert måde at fortolke en score på. Nogle koreografer skaber hele dans, før de vælger musikken, mens andre måske starter med et stykke musik, før de opretter et enkelt trin. Som danser skal du være klar til enhver tilgang, de bruger.
For eksempel husker Wingert, at når hun dansede for New York City Ballet, havde George Balanchine og bosiddende koreograf Jerome Robbins meget forskellige musikalske følelser. ”Balanchine ville have os til at være lige oven på musikken. Vi forventede musikken, så når vi var i luften, ramte vi højden på tonen i højden af springet, ”forklarer hun. ”Jerome Robbins ønskede, at hans dansere skulle være under musikken, lidt mere vægtede, snarere end lige på rytmen. '
For at begynde at arbejde på din musikalitet, “gør din barre på en musikalsk nøjagtig måde,”
siger rektor for Oregon Ballet Theatre, Anne Mueller. ”Det starter fra det øjeblik, du begynder at danse. Glid ikke for eksempel gennem musikken i tendokombinationer. At sørge for, at du er klar i din udførelse, giver dig flere muligheder, fordi du vil være i stand til at drage fordel af den stadig plads musikalitet kan være så meget om, når du ikke bevæger dig, som når du er. '
Frasering filosofier
Hvis du nogensinde har diskuteret musikalitet med en lærer eller andre dansere, har du sandsynligvis hørt meget om ”frasering”. Men ved du hvad det er? Musikalsk formulering er den måde, musik er organiseret inden for mål. Hvor er synkopieringen? Kadenserne? Accenterne? Koreografisk formulering er ens - det er sådan, trin er organiseret inden for en musikalsk sætning. Hvilke trin ramte på rytmen, og hvilke bevæger sig gennem rytmen? Skal et trin udføres hurtigt, så et andet kan strækkes ud?
Nogle gange angiver koreografer, hvordan deres trin skal formuleres, men når det er tilladt, kan eksperimentering med frasering give dig flere måder at danse et stykke på. Jo bedre du kender et partitur eller en sang, jo mere vil du være i stand til at spille med trinens dynamik og timing - i stedet for altid at danse lige på et firkantet slag, hvilket kan få dig til at se gentagne og kedelige ud. Måske kan du holde en udvikling i et ekstra øjeblik eller ændre tempoet i din bevægelse for at klemme i en anden battu. ”En danser skal have en fremragende sans for rytme for at holde publikums opmærksomhed,” siger Feijóo. ”Uden at komme ud af rytmen, skal du finde, hvor du kan balancere længere eller passe en gang mere. Sådan oversætter du stemningen musikken giver dig til trinene. '
For at se, hvordan dette fungerer, skal du se to ballerinaer, der danser den samme klassiske rolle (som Kitri i Don Quichote eller Odette / Odile i Svane sø ). Selvom koreografien og musikken er identiske, vil hver danser have sin egen unikke måde at passe de to sammen på.
Honing Your Ear
Dansere, der er uddannet til at spille instrumenter - som Robson og Feijóo, som begge studerede klaver - har et forspring, når det kommer til at udvikle musikalsk følsomhed. Men det betyder ikke, at du er dømt, hvis du ikke kender forskellen mellem en diskantnøgle og en basnøgle. NYC-koreograf Stephen Petronio læser for eksempel ikke musik og lærte aldrig at spille et instrument, men han er kendt for at skabe intenst musikalsk arbejde. Siden han begyndte at danse for 25 år siden, har Petronio koreograferet til komponister som Stravinsky og samarbejdet med kunstnere som Rufus Wainwright, Lou Reed og senest Nico Muhly. ”Jeg kan vide inden for de første 15 sekunder af at lytte til et stykke, om jeg kan flytte til det,” forklarer Petronio. ”Håret står op på mine arme, og jeg er nødt til at danse.”
Så hvordan finpudrede han sin musikalitet, hvis han ikke havde nogen formel uddannelse? Med en smule naturlig intuition og en masse øvelse. Petronio bruger timer på at lytte til mange musikgenrer. Han vælger endda at koreografere til musik, der udfordrer ham. Følg hans ledelse og find komplekse score - lad dig ikke skræmme. Torny, synkopieret musik vil tvinge dig til at lytte mere omhyggeligt og udøve din hjernes musikalitet.
Overvej formelt at studere et instrument, hvis lyd bevæger dig. Hvis det er uden for dit budget, skal du deltage i koncerter. Mange byer tilbyder gratis forestillinger i offentlige parker. Tjek din bys begivenhedskalender, og tryk på den lokale musikscene. Du bør også se på dine afspilningslister. Graviterer du mod en genre? For at udvide dine horisonter, prøv at udforske andre typer musik, især jazz og klassisk.
At lære at differentiere instrumenter hjælper dig med at oversætte det, du hører, til bevægelse, hvilket igen giver din dansende skygge og struktur. Hvis du ikke kender forskellen mellem en klarinet og en obo, skal du starte med musikværker som Sergei Prokofievs Peter og ulven eller Benjamin Britten's Ung persons vejledning til orkestret , som begge nedbryder hvert instrument i en symfoni, så du kan lære at skelne mellem lyde. En anden måde at finpudse dit øre på er at lytte til optagelser af samme score med forskellige ledere og identificere forskellene mellem dem.
Robson sværger ved denne øvelse, som han hentede fra sine dage med dans med Michael Jackson: Find en sang, du kan lide, og lyt til den, som du normalt ville. ”Bare tag det ind,” siger Robson. Afspil det derefter igen, men lyt kun til tromlen. Bloker hver anden lyd ud og følg tromlen gennem hele stykket. Ændrer det sig? Forbliver det det samme? Spil sangen en tredje gang med fokus på et andet instrument, som klaveret. Gentag denne øvelse, indtil du har fulgt hvert instrument i sangen.
”Du bliver muligvis nødt til at lytte 20 gange afhængigt af sangens kompleksitet,” siger Robson. ”Sidste gang du lytter, skal du tage hele sangen ind igen. Du kan høre både instrumenterne individuelt og melodien som helhed. Og du er i stand til at freestyle og danse til rytmer, du aldrig har hørt før. Det vil ændre dit liv som danser. '
Regner med tæller
Når du nedbryder et stykke musik, finder du dig selv at tælle det ud eller bare lytte til sangens generelle strøm? Dansere har ofte stærke følelser med at tælle, og de er ikke altid enige. Nogle gange er det nødvendigt at tælle, især i korpsarbejde eller når man arbejder med komplicerede scores. Men fiksering af tællinger kan få din dans til at virke mekanisk.
Nogle koreografer tæller muligvis slet ikke. Hvis du finder dig selv kæmper for ikke at tælle, skal du kigge efter andre musikalske tegn til at hjælpe dig. For eksempel slutter en sving i højden af en crescendo? Følger koreografien baslinjen i stedet for melodien?
Jo mere komfortabel du bliver med musikken, jo lettere bliver det ikke at tælle, så gør det til dit mål at lære musikken godt nok til at stoppe med at tælle. ”Nogle balletter skal du muligvis tælle i starten, men når du er sikker, har du ikke brug for det mere, 'siger Feijóo. ”Og det vil give dig frihed til at fortolke, fordi du ikke bare følger rytmen eller melodien. '
For meget af en god ting?
Selvom det er godt at have dine egne ideer om musik og bevægelse, skal du være parat til at sætte din æstetik til side. I en audition eller når man lærer et nyt værk, skal enhver professionel være i stand til at høre og fortolke musikken nøjagtigt som koreografen ønsker.
Forestil dig, om ensemblet er i Chicago valgte at danse efter deres personlige overbevisning. Hvad med korpset i Svane sø ? Der ville være musikalsk anarki! Selvom du er solist, kan det forventes, at du udfører en koreografs specifikke version af musikalitet. Det kræver lige så følsomt øre at udføre en anden persons vision som det gør at vælge din egen fortolkning af musikken. ”Nogle gange spejler jeg bevægelse og musik nøjagtigt, og nogle gange ignorerer jeg det,” siger Petronio. ”Nogle gange bruger jeg det som et kontrapunkt. ' Dit job er at være klar til alt.
Det er også vigtigt at være opmærksom på, hvornår og hvordan dit ansigt udtrykker følelsen i musikken. Nogle koreografer vil have dig til at bruge dit ansigt, andre vil have dig til at lade din krop gøre alt det følelsesladede. Wingert husker, at hun kæmpede med denne idé, da hun dansede i Balanchines Serenade med New York City Ballet. ”Det er så smuk musik, at man ønsker at belyse dramaet i den,” siger hun. ”Jeg var nødt til at arbejde på ikke at overvægte dramaet i mit ansigt og lade dansen være legemliggørelsen af musikken - for det var sådan Balanchine ville have det.
Så hvordan vil musikalitet i sidste ende påvirke din bevægelse? Nuance. Du vil være i stand til at høre finesser i en score og fortolke dem med din krop, og det vil gøre dig mere interessant at se. Det er også sjovere. Som Feijóo siger, ”Jeg ville være elendig, hvis jeg skulle danse uden lyd. Dans er at lave musik med din krop. '